Il Fotografo Augusto De Luca in continua sperimentazione
Quando ho ricevuto la mail di Augusto De Luca, la prima cosa che ho pensato non è stata “sto per pubblicare un progetto”.
È stata: qui c’è una storia lunga, stratificata, che rischia di essere letta troppo velocemente.
E questo, paradossalmente, è un problema tipico degli artisti che hanno già fatto molto.
Un percorso che non nasce nella fotografia
Augusto De Luca: un percorso tra fotografia, musica e formazione classica
Quando ho iniziato ad approfondire il lavoro di Augusto De Luca, mi sono reso conto che il rischio più grande era quello di leggerlo attraverso una sintesi troppo rapida, come spesso accade con gli autori che hanno attraversato decenni di produzione mantenendo una presenza costante e riconoscibile. Nato a Napoli nel 1955, De Luca costruisce il suo percorso attraverso una stratificazione che non è soltanto tecnica ma culturale, partendo da una formazione classica e da studi in giurisprudenza che sembrerebbero indirizzarlo verso una traiettoria lontana dall’immagine, per poi spostarsi progressivamente verso una pratica artistica che nasce in modo autodidatta negli anni Settanta e che fin dall’inizio rivela una tensione precisa verso il controllo e la costruzione del visibile. Prima ancora della fotografia, infatti, c’è la musica, con esperienze nelle garage band napoletane accanto a figure come Alan Sorrenti ed Enzo Avitabile, e questo passaggio non è secondario perché introduce una dimensione ritmica e strutturale che si ritrova successivamente nelle sue immagini, dove la composizione non è mai casuale ma costruita con un’attenzione quasi musicale alle relazioni tra gli elementi.
Biografia e carriera: dagli anni ’70 alla consacrazione internazionale
Nel corso degli anni Settanta De Luca diventa fotografo professionista e sviluppa una ricerca che si muove tra fotografia tradizionale e sperimentazione, utilizzando anche supporti come la Polaroid SX-70 manipolata, non come semplice esercizio tecnico ma come tentativo di interrogare i limiti stessi del mezzo. Negli anni Ottanta entra in contesti espositivi rilevanti, partecipando a rassegne curate da Lucio Amelio e lavorando anche nell’ambito televisivo, ad esempio nella costruzione scenografica di programmi come Samarcanda di Michele Santoro, consolidando una posizione che si muove tra ambito artistico, culturale e mediatico. La sua carriera trova un ulteriore riconoscimento nel 1995 con una mostra alla Camera dei Deputati, introdotta da Carlo Azeglio Ciampi, a conferma di una presenza istituzionale che si affianca a una diffusione internazionale delle sue opere.
Stile fotografico di Augusto De Luca: tra realismo e metafisica
Quello che definisce con maggiore chiarezza il lavoro di De Luca è tuttavia il suo linguaggio visivo, che si costruisce su una tensione costante tra realismo e astrazione, tra rigore formale e apertura simbolica, dando vita a immagini in cui la precisione dell’inquadratura e la gestione della luce non si limitano a descrivere il soggetto ma lo trasformano in un campo di forze percettive. Nei suoi ritratti, che includono figure come Carla Fracci, Ennio Morricone, Giorgio Napolitano e Luciano De Crescenzo, si percepisce chiaramente come il soggetto non venga mai trattato come semplice icona ma come presenza complessa, sospesa tra rappresentazione e interrogazione, mentre nelle fotografie di architetture, monumenti e spazi urbani la città smette di essere scenario per diventare struttura mentale, attraversata da linee, ombre e geometrie che rimandano tanto alla lezione della metafisica quanto a una sensibilità contemporanea per il segno e la superficie.
Opere, libri e ritratti celebri
Questa coerenza si riflette anche nei suoi progetti editoriali, tra cui Napoli Donna, Trentuno napoletani di fine secolo, Roma Nostra – premiato con il riconoscimento Città di Roma insieme a Ennio Morricone – e le serie dedicate ad altre città italiane come Milano e Firenze, in cui il paesaggio urbano viene reinterpretato come spazio simbolico e narrativo. Il suo lavoro si muove costantemente tra dimensione individuale e collettiva, trasformando il ritratto e il paesaggio in strumenti di lettura culturale.
Il “Cacciatore di Graffiti”: sperimentazione e memoria urbana
Un aspetto particolarmente significativo del suo percorso emerge a partire dal 2005 con l’attività che lo porta a essere definito “Il Cacciatore di Graffiti”, attraverso la quale De Luca interviene direttamente sul tessuto urbano di Napoli prelevando porzioni di street art dai muri e preservandole mediante l’uso di fissativi per vernici, dando vita a un gesto che si colloca in una zona ambigua tra conservazione, appropriazione e trasformazione e che apre una riflessione sul rapporto tra opera, contesto e memoria. Questa attitudine alla sperimentazione, presente fin dagli esordi, si inserisce in un percorso riconosciuto anche a livello internazionale, con opere presenti in collezioni come la Polaroid Collection negli Stati Uniti, la Bibliothèque nationale de France e il Museo della Fotografia di Charleroi, oltre a esposizioni in Italia, Francia, Stati Uniti, Cina e Svezia, delineando una traiettoria che mantiene una propria identità pur attraversando contesti diversi.
“Armageddon”: il nuovo progetto tra simbolismo e memoria dei conflitti
In questo quadro, il progetto più recente, Armageddon, si colloca come un momento di ulteriore spostamento, in cui la componente simbolica e surreale diventa più esplicita e centrale rispetto alla produzione storica, orientando lo sguardo verso una riflessione sulla memoria dei conflitti mondiali e sulle tracce invisibili che questi lasciano nelle persone e nelle immagini; se nei lavori precedenti il rigore formale e la precisione compositiva costruivano una tensione visiva immediata, qui l’attenzione sembra concentrarsi maggiormente sulla dimensione concettuale, privilegiando una costruzione dell’immagine che non cerca necessariamente la perfezione estetica ma piuttosto una risonanza emotiva e simbolica, in un passaggio che può risultare dissonante rispetto alla sua estetica più consolidata ma che, allo stesso tempo, appare coerente con una ricerca che ha sempre mantenuto al proprio interno una componente sperimentale e una volontà di interrogare i limiti del linguaggio fotografico.
Francesco Cogoni
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